SUPERSYMMETRY

text by Giulia Gelmini

 

 

[ENG]

 

Among the many forms of contemporary art, painting is still today the one in which many artists develop their researches and practices. Identifying canvas as the ideal space for art, painting today goes beyond the frontiers of bidimensionality, but it can also deconstruct canvas or else become a metaphorical battle field where painting exercises and the artist confront themselves.
The group show Supersimmetry is an overview on the way a group of artists carry on the traditional means of painting, each one expressing it in a very different way. The variety of works displayed shows how a formal complexity is still possible to demolish any cliché about painting as a means.

 

 

References to the history of art, daily life and the world of images are to Paola Angelini (San Benedetto del Tronto, 1983) ways to dialectically approach to subjects from different ages, and to create diachronic still lifes. An in-depth study and observation are two necessary conditions for the stratification of colours and iconografical references, which sometimes distance themselves from narration, elsewhere they connect. The artist presents two different ways of approaching the canvas, in whose visual field she alternates stills-like scenes from an on-going plot, and figures belonging to different worlds.
In the small still lifes shown at Strizzi, there are objects trouvés that show a major interest in colors as reminiscences of the expressionist palette, rather than in the narrative structure.

 

 

 

Linda Carrara (Bergamo, 1984), who works on three-dimensional painting often using the inverse technique of frottage, creates here some almost protrudent backgrounds by using thick brush strokes on canvases that lay on rough surfaces, and then she removes the exceeding material vigorously rubbing it by using a brush. The artist then adds small figurative elements inspired by the “world” enclosed in her studio, and like a tromp l’oeil, they deceive the observer who treats them like real objects: pieces of packing tape, post-it, leaves, rocks, birch branches appear like solitary images.
Carrara’s study on the three-dimensionality moves parallel with her research on the materials and on painting as a potential means. The works displayed show a skillful manner of using acrylic and pigments to recreate marble effects and its shades.

 

 

 

The works of Luca De Angelis (San Benedetto del Tronto, 1980) show the artist’s capability to capture both movements and images as if they were originated from a movie. Combining his passion for scene painting and colour, he makes intense narrating scenarios. In De Angelis’ paintings, both characters and subjects seem to temporarily stuck in a pose and let themselves be wrapped in an abstract and impetuous nature. If background has the same importance than the subject, the core of narration, around which everything occurrs, can be identified, even though it remains an unsolved enigma. The depicted figures tell their stories silentiously, they represent the waiting moment before an action takes place, but also they keep the vitality of the action that has just occurred.
In De Angelis work there is a continuum between painting and ceramic, with which he shapes alienlike facial features by using muted colors. Also in this case, the dynamism of a sudden seized expression is grasped and preserved.

 

 

 

Making a painting means to Lorenzo Di Lucido (Penne, 1983) to kill another hundred. His idea of painting as a potential disrupting means is fundamental to his research. In fact, he creates layers of dense material through a number of attempts and corresponding gestures. His addictionlike work, as Di Lucido says, should be touched to be fully understood. He adds layers of material of the same tones to the canvas, thus covering a background image which has been previously created by using a contrasting color.
In this new series in particular, background images like windows, plants or blankets are used as a visual reference on which the artist works with deep ochre and pink brush strokes. The result is a rough and irregular canvas in which the artist has made his research about pictorial space by painting the painting again.

 

 

 

The works of Vera Portatadino (Varese, 1984) are based on natural elements taken from nature. In her practice, Portatadino observes real life first, then she makes an accurate selection of details that withstand the changes of our times. To the artist, painting entails reflection, concentration and lentitude, whose significance is lost now-a-days, in favour of a major interest in the accelerated progress of technology. Shells, flowers, animals, rocks and herbal pieces are depicted over nebulous backgrounds made of stratified painting. They float on undefined landscapes or planets on which Portatadino would wish to bring memories from past life in the Earth.
The artist brings with her the images of the surroundings and the places she travels through, by painting small details in the center of the canvas so that the observer is immediately actracted to them. More than in any other works displayed here, painting becomes a matter that shifts from the whole to the particular.

 

 

 

Sofia Silva (Padova, 1990) reflects upon the concept of failure and failed painting by destroying large format canvases and just leaving some pieces of them. Her gesture expands to be then reduced. To Silva, these left fragments of canvas are self-sustaining and live out of the whole composition. The depicted subjects are connected to the imagery of female sexuality and build a specific narrative in each work.
Like a flag that raises over the exhibition space, a corner of juta canvas painted with oil depicts a trumpet-shaped flower that has been given a responsability, that of representing a whole story.

 

 

 

Conversely, Lucia Veronesi (Mantova, 1976) uses juxtaposition in her works. She is fascinated by paper and painting and uses them to match different phographic elements. Her collages are dominated by a high lighting contrast, from which a main element always emerges. In the same way, the uncertain connections between two and three-dimensional realities reflect the interaction between background and image. Starting from an amount of newspaper, books and pictures clippings, Veronesi operates instinctively and creates spontaneous surrealistic forms.
A recent series of works is inspired by the book L’Italia in 300 immagini published in 1956 by the Touring Club, in which images and photographs of the peninsula’s most peculiar places are collected. In particular, some of Veronesi’s landscape paintings depict coloured monoliths emerging like monuments from black and white backgrounds. In other works, old pictures are revived by using the stop-motion technique, and by adding painting and paper clippings. The artist undermines static images through a long process that includes painting, sculpture and video.

 

Supersimmetry is the result of seven visions on contemporary painting, and gives evidence of how painting can offer endless possibilities to this day. Seven painters, each one with their own background and different vocations, are outlining their ideas of painting to a new audience, presenting a selection of a few small works that hide, indeed, infinite possibilities.

 

 

[ITA]

 

Tra le varie forme che l’arte assume nella contemporaneità, ne esiste ancora una oggi con la quale molti artisti esplicano la loro ricerca e pratica: la pittura. Considerando la tela come lo spazio dell’arte, la pittura oggi va oltre i confini della bidimensionalità, oppure decostruisce la tela, o in altri casi ancora diventa campo di battaglia di una lotta tra esercizio pittorico e artista. Una mostra collettiva come Supersymmetry è una visuale panoramica che fotografa le tendenze di un gruppo di artisti che continuano la tradizione del fare arte attraverso la pittura, ciascuno di loro declinandola in modo completamente differente. Attraverso l’ampio spettro di lavori presentati in mostra è dimostrata dunque la possibilità di continuare a dare origine a una complessità formale che sconfigge ogni cliché legato al mezzo pittorico.

 

Dense costruzioni di riferimenti provenienti dalla storia dell’arte, dal vissuto quotidiano, dal mondo delle immagini sono l’esercizio di Paola Angelini (San Benedetto del Tronto, 1983), che accosta in modo dialettico soggetti di epoche differenti, ricreando nature morte diacroniche. Lo studio lento e l’osservazione sono per Angelini condizioni necessarie per le stratificazioni di colore e di rimandi iconografici che talvolta si distaccano dalla narrazione, mentre in altre la sposano. Due modalità differenti per approcciare la tela, luogo dove si possono individuare scene assimilabili a fermi immagine di una storia in via di sviluppo oppure dove figure appartenenti a universi differenti sono posizionate su un unico campo visivo.
Nel piccolo formato delle nature morte presentate da Strizzi vi sono object trouvés che si distaccano da un impianto narrativo e testimoniano un’attenzione per i colori appartenenti a una tipica palette espressionista.

 

Si tratta di tromp l’oeil invece per Linda Carrara (Bergamo, 1984), che da anni lavora sulla tridimensionalità del piano pittorico, utilizzando spesso la tecnica inversa del frottage. Per creare sfondi quasi aggettanti, spesse pennellate di colore sono stese su tele appoggiate a delle superfici ruvide e increspate di cui successivamente sono rimossi gli eccessi di materia con una spazzola, strofinata in modo energico. Su questi fondali sono a loro volta sovrapposti piccoli elementi figurativi provenienti per lo più dall’universo dello studio d’artista, che illudono l’occhio dell’osservatore, spinto a credere si tratti di oggetti veri. Pezzi di nastro adesivo, post-it, foglie, rocce, rami di betulle si stagliano come apparizioni solitarie.
Parallelamente allo studio del tridimensionale, Carrara persegue una ricerca sui materiali e sulle potenzialità del mezzo pittorico. Esemplari sono i lavori presentati in mostra, testimonianze di un sapiente utilizzo dell’acrilico e dei pigmenti, impiegati per ricreare gli effetti di una superficie marmorea e delle sue sfumature.

 

Abile nel catturare movimenti e scene che sembrano provenire da una pellicola cinematografica è Luca De Angelis (San Benedetto del Tronto, 1980), che unendo una passione per la pittura di scena e per l’utilizzo del colore, realizza intensi scorci narrativi. I personaggi o i soggetti ritratti da De Angelis sembrano essersi immobilizzati temporaneamente per la posa e si lasciano avvolgere da una natura dai tratti astratti e impetuosi. Sebbene sfondo e soggetto abbiano nel suo esercizio la stessa importanza, è possibile rintracciare un preciso centro della narrazione attorno al quale tutto si sviluppa, ma che rimane enigma irrisolto. Le figure dipinte raccontano storie in modo silenzioso e sembrano riflettere il momento dell’attesa, la frazione di secondo che precede un’azione futura, ma che conserva il dinamismo di quella appena passata.
Continuum della pittura è per De Angelis la ceramica, utilizzata per plasmare volti dai lineamenti quasi alieni con colori tenui e che conservano anche in questo caso la dinamicità di un’espressione colta all’improvviso.

 

Costruire un dipinto significa per Lorenzo Di Lucido (Penne, 1983) ucciderne altri cento e questa visione attenta al potenziale distruttivo della pittura è componente fondamentale della sua pratica artistica. Attraverso infatti numerosi tentativi e corrispettivi gesti, la sua mano si muove sulla tela, realizzando strati densi di materia. Il suo è un lavoro di addizione che, come afferma Di Lucido, andrebbe toccato per essere compreso appieno. Egli aggiunge alla tela strati di una stessa tonalità, che ricoprono un’immagine di fondo, spesso realizzata con un colore contrastante.
In questa nuova serie in particolare le immagini di fondo sono finestre, piante o coperte utilizzate come riferimento visivo sul quale intervenire con pennellate corpose e marcate dai toni ocra e rosa. Ciò che rimane è una tela ruvida e irregolare, testimonianza di uno studio dello spazio pittorico che consiste nel ridipingere la pittura.

 

Reperti naturalistici si espandono sulle tele di Vera Portatadino (Varese, 1984). Nella pratica di Portatadino l’osservazione dal vero è il primo passo, a cui succede una selezione attenta di particolari che resistono al flusso continuo di cambiamento, caratterizzante della nostra epoca. La pittura per l’artista implica riflessione, concentrazione e lentezza, valori che oggi si tendono a dimenticare in virtù del progresso accelerato delle tecnologie. Sfondi nebulosi di pittura stratificata accolgono conchiglie, fiori, foglie, animali, rocce e frammenti vegetali di vario genere. Essi fluttuano in paesaggi indefiniti, altri pianeti sui quali Portatadino immagina di portare dei ricordi provenienti dalla Terra.
Del viaggio e dei luoghi l’artista porta con sé l’ambiente circostante, ma composto di minuscoli dettagli che occupano la parte centrale dei suoi lavori e si impongono allo sguardo degli osservatori. Un capovolgimento di prerogative che dal generale si sposta al particolare, qui più che in qualsiasi altra opera esposta in mostra, predominante.

 

Sofia Silva (Padova, 1990) riflette sul concetto di fallimento, espresso attraverso un processo di distruzione delle tele dipinte, solitamente di grande formato e di una selezione di un dettaglio, di un particolare che a posteriori sembra incarnare perfettamente la sintesi completa del quadro fallito. La sua è una gestualità che si espande ampiamente, per poi venire ritagliata. Questi frammenti sopravvissuti sono per Silva le uniche parti che per qualche motivo sono in grado di autosostenersi, di vivere in modo autonomo, senza il resto della composizione. I soggetti dai lei rappresentati si collegano a un immaginario di una sessualità femminile e costituiscono una narrazione specifica in ogni lavoro.
Bandiera innalzata nello spazio espositivo è un angolo di una tela di juta dipinta a olio, in cui un fiore a trombetta si carica di un peso e di una responsabilità maggiore: esso incarna il simbolo di un’intera storia.

 

Di sovrapposizioni sono invece composti i lavori di Lucia Veronesi (Mantova, 1976), affascinata dalla carta e dalla pittura utilizzata come collante per diversi elementi fotografici. I contrasti caratterizzano tutti i suoi collage, in cui vi è un elemento di spicco predominante e allo stesso modo l’ambiguità tra bidimensionalità e tridimensionalità è evidente nella lotta tra sfondo e immagine. Dopo un iniziale accumulo di ritagli di giornali, libri, fotografie, Veronesi ritaglia in modo istintivo, dando origine a forme spontanee dai connotati surrealistici.
Di recente sviluppo è la serie dedicata a un’Italia vista attraverso l’occhio fotografico del Touring Club, che in un libro del ’56, L’Italia in 300 immagini, raccoglie ritratti dei luoghi più caratteristici della penisola. Su alcuni paesaggi in particolare prendono vita dei monumenti: monoliti colorati cappeggiano su sfondi in bianco e nero. Mentre attraverso la tecnica dello stop-motion vecchie fotografie sono animate con interventi pittorici e ritagli di carta. La staticità delle immagini viene mossa dalla mano di un’artista che attraverso un lungo processo è in grado di inglobare pittura, scultura e video.

 

Supersymmetry è composta da sette sguardi sulla pittura contemporanea e vuole essere una testimonianza delle possibilità infinite che il mezzo pittorico offre tutt’oggi. Sette pittori con formazioni e vocazioni differenti scelgono in che modo presentarsi a un nuovo pubblico. Attraverso dunque una selezione di poche opere ciascuno, ogni artista è chiamato a compiere un’azione di sintesi del proprio lavoro, in questa occasione racchiuso in pochi centimetri di tela, ma al cui interno sono nascoste infinite possibilità.